Från tunnelbanan till galleriet - Modern graffitikonsts historia
, av Bobby Banks, 16 min läsningstid
Under årens lopp har gatukonstnärer lyckats etablera sig som respekterade kreatörer och några av dem har till och med fått internationell berömmelse och förvandlat graffiti från en randkonst, som ibland syftar till att markera gatugängs territorium, till storföretag. Hur blev denna förändring ens möjlig? Är dagens graffiti fri från stigmatiseringen som rör skadegörelse? Oavsett om du ser graffiti som en uttrycksfull och livlig konstform eller som en form av oansvarig vandalism är en sak säker; på senare år har det fångat allmänhetens uppmärksamhet på världens största gallerier. Graffiti är utan tvekan, inget nytt eftersom människor har börjat rita på ytor för tusentals år sedan. Icke desto mindre uppstod graffiti i den form som är mest känd i våra dagar genom processer som möjligen etablerades i Philadelphia runt 1960-talet och nådde New York i slutet av decenniet. 1970-talet var ett decennium av hög akne för graffitikonsten och det var då den blev populär och började ockupera en betydande del av det offentliga rummet, vilket gjorde dess närvaro märkt av den allmänna befolkningen, som då skulle se tunnelbanefönster och allmänheten väggar täckta av taggar och målningar i större skala.
Köp graffitikonstverk!
Under årens lopp har gatukonstnärer i alla fall lyckats etablera sig som respekterade kreatörer och några av dem har till och med fått internationell berömmelse och förvandlat graffiti från en randkonst, som ibland syftar till att markera gatugängs territorium, till storföretag. Hur blev denna förändring ens möjlig? Är dagens graffiti fri från stigmatiseringen som rör skadegörelse? Det här är några frågor som vi kommer att försöka belysa, samtidigt som vi försöker utforska historien om modern graffiti och den position som den gör anspråk på i dagens kultur. "Graffiti" är etymologiskt relaterat till det grekiska verbet "γράφειν", som översätts till "att skrapa, rita eller skriva". Som ett resultat kan graffiti definieras som handlingen att skriva, rita eller måla på ytor av en struktur i ett offentligt utrymme, vanligtvis med användning av sprayfärg/markörer. Det tidigaste kända exemplet på graffitimålningar finns i den franska grottan i Lascaux som går tillbaka till 17,000 183 år sedan. Att gå vidare till modern historia, under andra världskriget, "Kilroy var här", var en typisk standardiserad fras som användes av soldater för att upprätta en oskriven koppling mellan dem, vilket gör att de kan lämna sina spår i så många olika väggar som möjligt. Denna mentalitet var nära relaterad till modern graffiti, som var starkt motiverad av konstnärens önskan att hävda sin existens. Taki 1960, en av de första taggarna i New York, hade sagt att: "Jag gillade känslan av att få upp mitt namn, och jag gillade idén att komma undan med det. När jag väl började kunde jag inte sluta”. 204-talet är det decennium då modern graffiti föddes. USA är utan tvekan den allmänna regionen där den första graffitin uppstod. Enligt vissa källor var det Philadelphia där allt började; men andra pekar ut New York och dess Black och Latino stadsdelar, där hiphopmusiken blomstrade på den tiden. Det är också viktigt att notera att det var under den perioden som aerosolsprayburken uppfanns för att förse de första gatukonstnärerna med ett bekvämt och relativt billigt medium. I graffitins tidiga historia användes inte termen "konstnär" ofta för att beskriva människorna som var involverade i denna gatusubkultur. Tvärtom kallades de mest för "författare" eller "taggare". Vid denna tidpunkt var kärnan med graffiti att skapa enkla taggar eller signaturer och försöka kopiera dem på så många platser som möjligt, så att alla kunde se dem. Några av den tidens mest kända taggare är Julio 183 och Taki XNUMX med ursprung i New York och Corn Bread från Philadelphia, som alla gör anspråk på den "första taggaren", även om det är svårt att precisera det med säkerhet. Snart gjorde dessa tidiga skapare en enorm insikt: Tänk om de började använda tunnelbanevagnar och tåg som ytor för sina taggar? På så sätt skulle deras meddelanden färdas över stora avstånd och som ett resultat nå ut till ett större antal tittare.
Naturligtvis tog det inte lång tid innan tunnelbanans väggar hamnade täckta av taggar. Detta nya element av rörelse gav graffitikonsten ytterligare en dimension. I många fall motiverades taggare av tankesättet att deras konst skulle uppskattas, inte längre i statisk form, utan i rörelse. Den amerikanske sociologen Richard Lachmann nämner följande: ”Mycket av det bästa graffitin var tänkt att uppskattas i rörelse, då det passerade genom mörka och snurriga stationer eller på förhöjda spår. Foton och graffitidukar kan inte förmedla energin och auran hos gigantiska konstverk i rörelse.”. Sedan dess har graffitikonstnärer aldrig tappat intresset för att sätta sina spår i rörliga fordon och bilden av tunnelbanorna världen över förvandlades för alltid. Från den tidpunkten och därefter genomgick taggar en lång process av variationer. Eftersom graffitikulturen blev mer och mer populär i USA och Europa, var taggarna tvungna att bli allt mer originella för att sticka ut. Signaturerna blev större, mer stiliserade och mer färgglada. Dessutom introducerades nya kalligrafiska stilar, samtidigt som konstnärerna började experimentera med burkmunstycken från hushållsartiklar, som var tillgängliga för dem, såsom ugnsrengöringsmedel etc. Som ett resultat ökade detta den kreativa friheten för taggare som började prova ny spray effekter och linjebredder. För dessa tidiga graffitiförfattare, av vilka majoriteten var fattiga och i viss mån socialt marginaliserade, med begränsade livsval, var taggning en begäran om erkännande och respekt. I sin bok, Graffiti Lives: Beyond the Tag i New Yorks Urban Underground, Gregory Snyder uppger att det handlade om "berömdhet och respekt för deras gärningar". Runt mitten av 1970-talet och ännu mer under 1980-talet blev graffiti ett mål för hård kritik och hamnade mitt i ett "krig" med de officiella myndigheterna. Det fanns ingen annan plats på jorden än New York, där en så stor summa pengar och resurser användes för detta märkliga krig. Graffiti var ett verkligt politiskt mål för den eran och som Martha Cooper kommenterade om Edward Coch, tidigare borgmästare i New York: ”För Koch var graffiti bevis på brist på auktoritär ordning; som sådan hade närvaron av graffiti en psykologisk effekt som gjorde alla medborgare till sina offer genom en störning av den visuella ordningen, vilket främjade en känsla av förvirring och rädsla bland människor.” För politiker, som Edward Koch och John Lindsay, handlade det om att kräva tillbaka sin auktoritet. Att städa upp staden från graffiti översattes ofta i att följa och söka efter ungdomar efter skolan, staka ut deras hus och förhöra informanter för att samla in information om potentiella författare.
Ytterligare ekonomiskt stöd gavs till och med till Metropolitan Transit Authority (MTA), som 1984 lanserade "Clean Car Program", som år senare kommer ihåg som sitt starka projekt i hopp om att utrota graffiti. Men som journalisten Jeff Chang noterade, förstärkte försöken från MTA "bara ytterligare den stilistiska förändringsprocessen, eftersom det fanns många fler potentiella mål, och de är alla rena dukar." Naturligtvis kämpade enskilda författare och besättningar tillbaka och såg dessa restriktioner som en utmaning som de var tvungna att övervinna, och med tiden blev de mer och mer territoriella med sina mål. Inte överraskande var graffiti allt annat än eliminerat från New Yorks gator. Numera fortsätter den att frodas och får mer och mer acceptans, eftersom människor och kritiker börjar se det konstnärliga värdet i det. Som en form av konst fortsätter den att utvecklas och beroende på land och kultur innehåller den olika element, till exempel mangainspirerad konst på Japans gator. I våra dagar har graffitin utvecklats på sätt som har lett till dess – kanske partiella – kommersialisering och på grund av den ökande oron för miljökrisen börjar fler och fler diskutera de negativa effekterna av sprayfärg som medium, har på atmosfären.
Köp graffitikonstverk!
Oavsett dess kontroversiella historia ses den allt mindre som en form av vandalism. Naturligtvis, i vissa fall, slutar graffitiverk fortfarande städas och avlägsnas på plats från offentliga eller privata utrymmen. Å andra sidan fokuserar vissa regioner på den konstnärliga aspekten av det och tar hand om att skydda och underhålla specifika offentliga verk. Kontroversen kring graffiti har denna huvudfråga i sin kärna: Vad är konst? Vad svaret på denna fråga än kan vara, är det ett faktum att graffitin just nu har vunnit en plats på scenen för popkultur och samtidskonst, som finns både på gatorna och samtidigt inne i salarna i några av världens största museer. Denna exakta övergång från gatorna till museerna får en att fundera över vilken skillnad denna förändring gjorde för graffitins väsen. Caleb Neelon, graffitikonstnär och utbildare, gör några intressanta iakttagelser i denna fråga: ”Konstnärer som behärskar hantverket att måla på gatan kan skapa kanske ännu större arbete i studiomiljöer, där de har mer tid, resurser och inte behöver oroa sig för vädret (eller polisen). Vad de kan förlora är mängden människor som ser deras arbete dagligen.” I verkligheten är graffiti som sådan inte vanligt förekommande i gallerier och museer, åtminstone jämfört med andra former av konst. Ändå har en viss estetik införts och införlivats i många konstnärers verk. Ett anmärkningsvärt exempel är Jean Dubuffets verk, fransk målare och skulptör, som omfamnade taggar och grafiska motiv i sin konst. Detta visar att graffitins inflytande på modern och samtida kultur är bortom själva graffitiverken, eftersom dessa verk har inspirerat konstnärer från andra genrer också. Nyckelfrågan kvarstår dock fortfarande: "Dödar kommersialismen långsamt gatukonsten?". Vissa ser den höga populariteten och intåget av graffiti på scenen för högkonst som något i sig positivt, eftersom det gör det möjligt för konstnärerna att marknadsföra sin konst till en bredare publik och på så sätt säkerställa erkännande och ekonomisk vinst för sig själva. Å andra sidan leder kapitaliseringen av graffiti till oro för att gatukonst riskerar att förlora sin karaktär och originalitet på grund av varumärkesaffärer och lukrativa kontrakt. Med andra ord, kan graffitis anarkiska anda hålla sig vid liv i ett galleris kvävande högpolerade och kommersialiserade utrymme? Kan gatukonstens antikapitalistiska retorik någonsin överensstämma med att göra en vinst på den? Nuförtiden har stora märken som Coca Cola, Nike, Zippo och andra samarbetat med kända gatukonstnärer som skapat verk inspirerade av dem.
Ett välkänt exempel är fallet med Fauxreel, gatukonstnär, som fyllde gatorna i Toronto och andra städer i Kanada med konstverk inspirerade av Vespa. De två partierna gick ihop och förberedde denna kampanj, som väckte en våg av reaktioner mot Fauxreel som anklagade honom för att "sälja ut". Konstnären själv hävdade att: ”Jag närmade mig Vespa Squarehead-projektet med målet att väcka frågor om reklams roll i det offentliga rummet, undersöka gråzonen mellan gatukonst, graffiti och reklam och försöka skapa kopplingar mellan produkter och människors identiteter. Om jag kan slutföra en serie arbeten som kommer att ställa och undersöka den här typen av frågor och det kommer att tillåta mig att tjäna lite pengar på samma gång, så är det inget fel med det enligt min åsikt.”. Som ett resultat är frågan inte bara begränsad till en kritik på grundval av mainstream-kommersialiteten. Kontroversen kring Fauxreels och Vespas partnerskap väcker också frågor om gränserna för gatukonst och gatuannonsering. Frågan är i det här fallet om en konstnär ska kunna tjäna pengar på det offentliga rummet. Om ja, vad skiljer gatukonstnärer från stora varumärken som också utnyttjar det offentliga rummet till deras fördel? Ett annat exempel är Ben Eines samarbete med Luis Vitton, vilket resulterade i en scarf på £465, som kastar ljus över hur gatukonst kommunicerar med kapitalismen och eliten. Å andra sidan, hur trogen sina ursprungliga motstridiga rötter kan gatukonst förbli när det slutar med att producera konstverk till ett sådant pris? Graffiti har rest sig ur subkulturen och har blivit en av världens största varumärkens ambassadörer. Förutom partnerskapskontrakt möter gatukonsten idag också kritik på grund av att många konstnärer deltar i enorma utställningar internationellt. Som nämnts tidigare säkerställer detta massiv offentlig täckning och betydande vinst för skaparna. På många sätt har gatukonsten återintroducerat sig för allmänheten, utan att klippa banden med dess subkulturella rötter redan på 1960- och 1970-talen. I våra dagar hyllas graffiti som en form av konst och människor som tillhör denna kultur anses i allmänhet inte vara marginaliserade. Många länder har delvis avkriminaliserat gatukonst och några av världens största internationella varumärken är villiga att betala betydande belopp i utbyte mot partnerskap med populära artister. Även museer och konstgallerier välkomnar gatukonst i sina samlingar.
Bansky, kanske den mest kända gatukonstnären just nu, har ställt ut sina verk bredvid Pollock, Van Gogh, Caravaggio och Picasso. Under dessa förhållanden, och även med tanke på många decenniers gång, är det rationellt att förvänta sig att gatukonsten kommer att gå igenom en rad processer som kommer att förändra den. Konst och särskilt gatukonst ska trots allt vara fri, flytande och godtycklig. Det innebär att konstnärer har rätt till friheten att välja sina partnerskap och om deras verk ska hamna på utställningar eller inte. Vad de flesta av skribenterna är överens om är att pengar är viktigt. Som Eine kommenterar: "Vi ville bara måla saker och skratta. Folk började vilja köpa våra grejer och vi utvecklades till artister. Vi är inga jävla barn som springer runt och taggar saker längre. Nu är det mitt egentliga jobb. Jag tjänar pengar på detta nu. Det är ett jobb. Jag har två exfruar och ett gäng barn, så jag ser inga pengar, men det är mitt liv. Om jag inte hade åtaganden, ex-fruarna, barnen, skulle jag återgå till att göra det illegalt. Men jag måste tjäna pengar”. Dave Stuart, gatukonstnär, gör följande observation: ”Om du tar bort pengarna blir det ett konstprojekt. Lägger du tillbaka pengarna, blir det något annat?”. I slutändan, varför spelar detta någon roll egentligen? Nyligen auktionerades Bansky's Girl with Ballon ut på Sotheby's för att få 2 1,043,000 20 pund. Detta är det högsta priset någon av hans pjäser har lyckats säljas för. Historien om det här konstverket skulle sluta här om Bansky inte hade installerat en dold mekanism inuti verkets ram, som förstörde det i det exakta ögonblicket för köpet. Girl with Ballon började riva sönder sig själv, vilket fick publiken att undra över innebörden av denna handling. Självdestruktiv konst är inget nytt. Så, vad var Banskys budskap? Vissa sa att detta var ett uttalande mot kommersialisering av konst, en förklaring om att den inte kan köpas eftersom den ska vara gratis och tillgänglig för alla. Detta är i alla fall ett intressant exempel på hur gatukonsten fortfarande kan vara politisk och kritisk mot dagens kapitalistiska system. I verkligheten är ironin med Girl with a Ballon att det tog mindre än 1,000,000 pund att skapa, såldes för cirka 20 XNUMX XNUMX pund och även efter fragmenteringen visade priset en ökning med XNUMX %. Ännu viktigare, ett konstverk som auktionerades ut på Sothebys – en av världens största konstmarknader – och ändå lyckades göra en poäng och starta konversationer om kapitalism, konstnärlig pretentiöshet och konsumtionskultur.
Idag genomgår graffitin en process av extrem institutionalisering och kommersialisering och den tidigare använda "skribenten" tenderar att ersättas med termen "gatukonstnär". Oavsett dessa skillnader är dock ett av de element som har förblivit intakt sedan 1960-talet konstnärernas motivation att nå så många människor som möjligt, vare sig detta förverkligas på gatan eller genom museiutställningar. Ur denna aspekt frodas gatukonsten mer kraftfullt än någonsin och den har vunnit respekt hos allmänheten och kritiker, som inte längre behandlar den som outsiderkonst. Samtidigt har konstnären själva fått ett erkännande och deras konst är värd miljontals dollar. Med andra ord, om man fokuserar på kommersialiseringen av gatukonsten som bevis på degeneration och förfall eller som en revolutionär form av konst som fortfarande går framåt och sprider social frigörelse och aktivism är uppe till debatt. Vilken åsikt man än har, i slutändan är graffiti en levande del av vår kultur och den fortsätter att vara närvarande inte bara i konsten vi konsumerar, utan också i annonserna vi ser, kläderna vi bär och, fortfarande, gatorna vi promenad.
Köp graffitikonstverk!
Cope2- Fernando Carlo
€771,95
Crash- John Matos
€2.147,95
